Name: VERDI - Macbeth, riduzione per canto e pianoforte [it] [ger]
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VERDI - Macbeth, riduzione per canto e pianoforte [it] [ger]

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VERDI - Macbeth, riduzione per canto e pianoforte • Testo italiano - tedesco

Macbeth, la decima opera di Giuseppe Verdi, fu rappresentata per la prima volta al Teatro alla Pergola di Firenze il 14 marzo 1847. Che il compositore stesso avesse un'alta opinione dell'opera è confermato sia dal carteggio, sia dalla dedica dello spartito per canto e pianoforte al suocero, Antonio Barezzi.

Diciassette anni più tardi, quando l'opera occupava ormai un posto stabile nel repertorio dei teatri italiani e stranieri, Verdi accettò di rivedere Macbeth per il primo allestimento parigino dell'opera, al Théâtre-Lyrique il 21 aprile 1865. Le revisioni si rivelarono molto più estese di quanto inizialmente previsto dal compositore. Tuttavia, il senso critico di cui Verdi fece uso nel processo di revisione rivela la sua fede nella vitalità dell'opera stessa.

La prima rappresentazione parigina della versione rivista non fu un successo; anche dopo la pubblicazione di uno spartito per canto e pianoforte della versione del 1865, italiani continuarono a rappresentare la versione originale. Ciononostante, Verdi riteneva che le revisioni fossero definitive: per questo motivo Ricordi scelse di commercializzare la versione del 1865 che da allora è sempre rimasta in catalogo.

VERDI - Macbeth, riduzione per canto e pianoforte, copertina rigida [it]

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VERDI - Macbeth, riduzione per canto e pianoforte, copertina rigida [it]

€48,90

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VERDI - Macbeth, riduzione per canto e pianoforte, copertina rigida • Testo italiano

Macbeth, la decima opera di Giuseppe Verdi, fu rappresentata per la prima volta al Teatro alla Pergola di Firenze il 14 marzo 1847. Che il compositore stesso avesse un'alta opinione dell'opera è confermato sia dal carteggio, sia dalla dedica dello spartito per canto e pianoforte al suocero, Antonio Barezzi.

Diciassette anni più tardi, quando l'opera occupava ormai un posto stabile nel repertorio dei teatri italiani e stranieri, Verdi accettò di rivedere Macbeth per il primo allestimento parigino dell'opera, al Théâtre-Lyrique il 21 aprile 1865. Le revisioni si rivelarono molto più estese di quanto inizialmente previsto dal compositore. Tuttavia, il senso critico di cui Verdi fece uso nel processo di revisione rivela la sua fede nella vitalità dell'opera stessa.

La prima rappresentazione parigina della versione rivista non fu un successo; anche dopo la pubblicazione di uno spartito per canto e pianoforte della versione del 1865, italiani continuarono a rappresentare la versione originale. Ciononostante, Verdi riteneva che le revisioni fossero definitive: per questo motivo Ricordi scelse di commercializzare la versione del 1865 che da allora è sempre rimasta in catalogo.

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VERDI - Messa da Requiem, riduzione per canto e pianoforte (CRITICAL EDITION · PRACTICAL SERIES) [lat]

€19,50 €17,50 Salva 10%

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VERDI - Messa da Requiem, riduzione per canto e pianoforte condotta sull'edizione critica • Testo latino

Nella collana CRITICAL EDITION · PRACTICAL SERIES Ricordi, editore storico del grande melodramma italiano, presenta i capolavori dei maggiori operisti in testi musicali interamente rivisti secondo le fonti attualmente disponibili, dagli autografi alle edizioni a stampa, e redatti in base ai più rigorosi criteri filologici e critici. Brevi introduzioni inquadrano le notizie storiche relative a ciascuna opera.Una collana che coniuga il rigore dell’approccio critico a una veste editoriale pratica e agile.

Nell'ambito della letteratura italiana, l'opera favorita da Giuseppe Verdi era I promessi sposi di Alessandro Manzoni. Verdi aveva letto il romanzo durante l'adolescenza, poco dopo la sua pubblicazione nel 1827. Verdi e Manzoni si incontrarono la prima volta nel 1868, nella casa milanese di Clarina Maffei. Manzoni morì nel 1873 e la Messa da Requiem, composta per l'anniversario della morte dello scrittore, venne eseguita nella chiesa di San Marco, a Milano, il 22 maggio 1874, a un anno esatto dal giorno della morte di Manzóni. Nel cast figuravano Teresa Stolz (soprano), Maria Waldmann (mezzosoprano), Giuseppe Capponi (tenore) e Ormondo Maini (basso); Verdi stesso ne diresse l'esecuzione. Alcuni critici sollevarono l'obiezione che lo stile adottato da Verdi nel Requiem fosse troppo operistico, ma quando Johannes Brahms vide la partitura dichiarò: "Questa è l'opera di un genio".

VERDI - Nabucco, riduzione per canto e pianoforte [it]

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VERDI - Nabucco, riduzione per canto e pianoforte [it]

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VERDI - Nabucco, riduzione per canto e pianoforte • Testo italiano

Il 17 ottobre 1836, al Théàtre Ambigu-Comique di Parigi, andò in scena il dramma in quattro atti Nabuchodonosor di Auguste Anicet-Bourgeois e Francis Cornu. Lo spettacolo piacque e se ne parlò anche fuori Parigi: a Milano se ne fece una traduzione e il 27 ottobre 1838 giunse sulle scene della Scala di Milano sottoforma di balletto. Non molto tempo dopo, Solera delineò il suo libretto, in gran parte derivandolo dal dramma francese, che fu offerto prima al compositore tedesco Otto Nicolai, e al rifiuto di questi a Verdi.
Nabucco, inserito in cartellone quasi a forza il 9 marzo 1842, a conclusione della stagione del Teatro alla Scala, con il ripiego di utilizzare scene e costumi del ballo di Cortesi, ebbe uno straordinario successo, nonostante le sole otto repliche e la cattiva prestazione della Strepponi, che il 3 marzo era stata dichiarata da una commissione medica in gravissime condizioni di salute. Pochi mesi dopo, il 13 agosto, Nabucco inaugurava la stagione d'autunno e, con una diversa Abigaille (Teresa de Giuli-Borsi) stabiliva il primato scaligero di cinquantasette repliche.

VERDI - Nabucodonosor, riduzione per canto e pianoforte, ed. critica [it] [eng]

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VERDI - Nabucodonosor, riduzione per canto e pianoforte, ed. critica [it] [eng]

€41,50

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VERDI - Nabucodonosor, riduzione per canto e pianoforte condotta sull'edizione critica • Testo italiano - inglese

Il 17 ottobre 1836, al Théàtre Ambigu-Comique di Parigi, andò in scena il dramma in quattro atti Nabuchodonosor di Auguste Anicet-Bourgeois e Francis Cornu. Lo spettacolo piacque e se ne parlò anche fuori Parigi: a Milano se ne fece una traduzione e il 27 ottobre 1838 giunse sulle scene della Scala di Milano sottoforma di balletto. Non molto tempo dopo, Solera delineò il suo libretto, in gran parte derivandolo dal dramma francese, che fu offerto prima al compositore tedesco Otto Nicolai, e al rifiuto di questi a Verdi.

Nabucco, inserito in cartellone quasi a forza il 9 marzo 1842, a conclusione della stagione del Teatro alla Scala, con il ripiego di utilizzare scene e costumi del ballo di Cortesi, ebbe uno straordinario successo, nonostante le sole otto repliche e la cattiva prestazione della Strepponi, che il 3 marzo era stata dichiarata da una commissione medica in gravissime condizioni di salute. Pochi mesi dopo, il 13 agosto, Nabucco inaugurava la stagione d'autunno e, con una diversa Abigaille (Teresa de Giuli-Borsi) stabiliva il primato scaligero di cinquantasette repliche.

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VERDI - Otello, partitura [it]

€63,50

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VERDI - Otello, partitura orchestrale • Testo italiano

Sedici anni separano Aida da Otello, che fu salutato con grande favore al Teatro alla Scala la sera del 5 febbraio 1887. In questo lungo periodo Verdi non lavorò a nuovi titoli operistici: aveva anzi manifestato il proposito di ritirarsi dalle scene. Furono l'incontro con il poeta scapigliato Arrigo Boito, favorito da Giulio Ricordi, e l'idea di un nuovo confronto con la poesia di Shakespeare che provocarono il riaccendersi della creatività del Maestro di Busseto, che iniziò a comporre l'opera nel marzo del 1884 per terminarla alla fine del 1886. In termini stilistici e drammaturgici, la distanza di Otello dalla precedente produzione verdiana è palese. Lontano dalle forme tradizionali della metrica e del verso, straordinariamente vario nelle pieghe del canto che, nella forma dell'arioso, del cantabile, del declamato, aderisce al dramma di gelosia e identità di Otello, alla sofferenza di Desdemona, alla malvagità di Jago, Otello segna la distanza di Verdi da un teatro di impianto risorgimentale, con eroi a tutto tondo, e riflette il sottile intuito di un Verdi settantaquattrenne che entra con grande acume nel dramma di introspezione psicologica.

VERDI - Simon Boccanegra, partitura [it]

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VERDI - Simon Boccanegra, partitura [it]

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VERDI - Simon Boccanegra, partitura orchestrale • Testo italiano

Nel 1855 il Teatro La Fenice di Venezia chiede a Verdi un'opera nuova, ma il contratto viene firmato solo un anno dopo, quando il compositore ha già chiaro lo schema generale di un dramma che derivava dal teatro di Antonio García Gutiérrez: Simon Boccanegra. Il Maestro ne scrive una sua preventiva versione a Parigi, dove fa tagliare e limare da Giuseppe Montanelli il libretto che Francesco Maria Piave aveva già approntato. La prima va in scena il 12 marzo del 1857 ed è un insuccesso clamoroso, quasi come quello de La traviata quattro anni prima. Ventidue anni più tardi, sotto suggerimento dell'editore e amico Ricordi, Verdi riprende in mano la vecchia partitura del Simon Boccanegra, rivolgendosi ad Arrigo Boito per le modifiche da apportare al libretto di Piave. Il primo atto è com pletamente rivisto; Verdi viene ispirato da due lettere di Francesco Petrarca, una indirizzata al Doge di Genova, Boccanegra appunto, e l'altra a quello di Venezia, che condannavano le lotte fratricide tra le due Repubbliche. Con questa e altre modifiche il nuovo Simon Boccanegra va in scena alla Scala di Milano il 24 marzo 1881. Le aggiunte e le modifiche apportate da Boito e Verdi sono così numerose da rendere quasi impossibile un confronto puntuale tra le due versioni. Simon Boccanegra, nella revisione del 1881, contiene alcuni tra i più grandi pezzi d'insieme scritti da Verdi tanto da poter entrare a pieno titolo nel novero delle opere più mature del genio di Busseto.

VERDI - Simon Boccanegra, riduzione per canto e pianoforte [it]

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VERDI - Simon Boccanegra, riduzione per canto e pianoforte [it]

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VERDI - Simon Boccanegra, riduzione per canto e pianoforte • Testo italiano

Nel 1855 il Teatro La Fenice di Venezia chiede a Verdi un'opera nuova, ma il contratto viene firmato solo un anno dopo, quando il compositore ha già chiaro lo schema generale di un dramma che derivava dal teatro di Antonio García Gutiérrez: Simon Boccanegra. Il Maestro ne scrive una sua preventiva versione a Parigi, dove fa tagliare e limare da Giuseppe Montanelli il libretto che Francesco Maria Piave aveva già approntato. La prima va in scena il 12 marzo del 1857 ed è un insuccesso clamoroso, quasi come quello de La traviata quattro anni prima. Ventidue anni più tardi, sotto suggerimento dell'editore e amico Ricordi, Verdi riprende in mano la vecchia partitura del Simon Boccanegra, rivolgendosi ad Arrigo Boito per le modifiche da apportare al libretto di Piave. Il primo atto è com pletamente rivisto; Verdi viene ispirato da due lettere di Francesco Petrarca, una indirizzata al Doge di Genova, Boccanegra appunto, e l'altra a quello di Venezia, che condannavano le lotte fratricide tra le due Repubbliche. Con questa e altre modifiche il nuovo Simon Boccanegra va in scena alla Scala di Milano il 24 marzo 1881. Le aggiunte e le modifiche apportate da Boito e Verdi sono così numerose da rendere quasi impossibile un confronto puntuale tra le due versioni. Simon Boccanegra, nella revisione del 1881, contiene alcuni tra i più grandi pezzi d'insieme scritti da Verdi tanto da poter entrare a pieno titolo nel novero delle opere più mature del genio di Busseto.

VERDI - Simon Boccanegra, riduzione per canto e pianoforte, copertina rigida [it]

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VERDI - Simon Boccanegra, riduzione per canto e pianoforte, copertina rigida [it]

€53,50

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VERDI - Simon Boccanegra, riduzione per canto e pianoforte, copertina rigida • Testo italiano

Nel 1855 il Teatro La Fenice di Venezia chiede a Verdi un'opera nuova, ma il contratto viene firmato solo un anno dopo, quando il compositore ha già chiaro lo schema generale di un dramma che derivava dal teatro di Antonio García Gutiérrez: Simon Boccanegra. Il Maestro ne scrive una sua preventiva versione a Parigi, dove fa tagliare e limare da Giuseppe Montanelli il libretto che Francesco Maria Piave aveva già approntato. La prima va in scena il 12 marzo del 1857 ed è un insuccesso clamoroso, quasi come quello de La traviata quattro anni prima. Ventidue anni più tardi, sotto suggerimento dell'editore e amico Ricordi, Verdi riprende in mano la vecchia partitura del Simon Boccanegra, rivolgendosi ad Arrigo Boito per le modifiche da apportare al libretto di Piave. Il primo atto è com pletamente rivisto; Verdi viene ispirato da due lettere di Francesco Petrarca, una indirizzata al Doge di Genova, Boccanegra appunto, e l'altra a quello di Venezia, che condannavano le lotte fratricide tra le due Repubbliche. Con questa e altre modifiche il nuovo Simon Boccanegra va in scena alla Scala di Milano il 24 marzo 1881. Le aggiunte e le modifiche apportate da Boito e Verdi sono così numerose da rendere quasi impossibile un confronto puntuale tra le due versioni. Simon Boccanegra, nella revisione del 1881, contiene alcuni tra i più grandi pezzi d'insieme scritti da Verdi tanto da poter entrare a pieno titolo nel novero delle opere più mature del genio di Busseto.

VERDI - Un ballo in maschera, partitura [it]

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VERDI - Un ballo in maschera, partitura [it]

€43,90

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VERDI - Un ballo in maschera, partitura orchestrale • Testo italiano

Il 9 ottobre 1857 Antonio Somma venne incaricato della stesura del libretto di un'opera tratta da un testo che Scribe scrisse nel 1833 per il composito re Daniel Auber, Gustave III, ou Le Bal masqué. La trama era ispirata a un fatto realmente accaduto, l'assassinio del re Gustavo III di Svezia avvenuto nel 1792, nel corso di un ballo al Teatro dell'Opera di Stoccolma, per mano del capitano Anckarstroem, che agì su istigazione di alcuni aristocratici reazionari. Dopo una serie di cambiamenti di luogo, epoca e, soprattutto, di protagonisti imposti dalla censura - che mal tollerava la messa in scena di un regicidio -, si scelse definitivamente di ambientare l'opera alla fine del Seicento nella colonia inglese di Boston in America, col re di Svezia trasformato in Riccardo, conte di Warwick. Il 17 febbraio 1859 il pubblico romano decretò grande successo all'opera, e proprio in quei giorni venne coniato il famoso acrostico "Viva Verdi", che non si giustificava affatto con un'opera che è totalmente priva di risvolti patriottici, ma si accordava molto bene al clima di quei giorni, con Cavour che stava portando a compimento il suo progetto di alleanza fra Napoleone III e Vittorio Emanuele Re D'Italia (cioè V.E.R.D.I.), in vista della seconda guerra d'indipendenza che sarebbe iniziata di lì a due mesi (il 29 aprile).

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VERDI - Un Ballo in Maschera, riduzione per canto e pianoforte, copertina rigida [it]

€46,50

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VERDI - Un Ballo in Maschera, riduzione per canto e pianoforte, copertina rigida • Testo italiano

Il 9 ottobre 1857 Antonio Somma venne incaricato della stesura del libretto di un'opera tratta da un testo che Scribe scrisse nel 1833 per il composito re Daniel Auber, Gustave III, ou Le Bal masqué. La trama era ispirata a un fatto realmente accaduto, l'assassinio del re Gustavo III di Svezia avvenuto nel 1792, nel corso di un ballo al Teatro dell'Opera di Stoccolma, per mano del capitano Anckarstroem, che agì su istigazione di alcuni aristocratici reazionari. Dopo una serie di cambiamenti di luogo, epoca e, soprattutto, di protagonisti imposti dalla censura - che mal tollerava la messa in scena di un regicidio -, si scelse definitivamente di ambientare l'opera alla fine del Seicento nella colonia inglese di Boston in America, col re di Svezia trasformato in Riccardo, conte di Warwick. Il 17 febbraio 1859 il pubblico romano decretò grande successo all'opera, e proprio in quei giorni venne coniato il famoso acrostico "Viva Verdi", che non si giustificava affatto con un'opera che è totalmente priva di risvolti patriottici, ma si accordava molto bene al clima di quei giorni, con Cavour che stava portando a compimento il suo progetto di alleanza fra Napoleone III e Vittorio Emanuele Re D'Italia (cioè V.E.R.D.I.), in vista della seconda guerra d'indipendenza che sarebbe iniziata di lì a due mesi (il 29 aprile).

VIVALDI - Arie D'Opera per Baritono/Basso [it]

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VIVALDI - Arie D'Opera per Baritono/Basso [it]

€24,50

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VIVALDI - Arie D'Opera per Baritono/Basso • Testo italiano

La riscoperta del teatro musicale di Vivaldi è stata accolta negli ultimi anni da uno straordinario successo. Centinaia di arie ancora fresche e inedite, scritte con maestria per ogni taglia vocale, documentano quanto il valore della produzione operistica vivaldiana non sia inferiore a quella strumentale. RICORDI, in collaborazione con l'Istituto Italiano Antonio Vivaldi di Venezia, risponde alla crescente domanda di questo straordinario e accattivante repertorio offrendo una scelta di 12 arie per trascritte per canto e pianoforte.

Selezione di 12 Arie D'Opera Per Baritono/Basso basate sulle edizioni critiche da Tito Manlio, Orlando furioso, La fida ninfa, Arsilda, Regina di Ponto e Il Teuzzone.

Contenuti: Se il cor guerriero (TITO MANLIO) • Orribile lo scempio (TITO MANLIO) • L'intendo e non l'intendo (TITO MANLIO) • Brutta cosa è il far la spia (TITO MANLIO) • Benché nasconda (ORLANDO FURIOSO) • Dove il valor combatte (ORLANDO FURIOSO) • Chi dal cielo o dalla sorte (LA FIDA NINFA) • Cor ritroso (LA FIDA NINFA) • Perdo ninfa, ch'era una dea (LA FIDA NINFA) • L'esperto nocchiero (ARSILDA) • Quale a l'onte de' venti (ARSILDA) • Non temer, sei giunto in porto (IL TEUZZONE)

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VIVALDI - Arie D'Opera per Tenore [it]

€24,50

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VIVALDI - Arie D'Opera per Tenore • Testo italiano

La riscoperta del teatro musicale di Vivaldi è stata accolta negli ultimi anni da uno straordinario successo. Centinaia di arie ancora fresche e inedite, scritte con maestria per ogni taglia vocale, documentano quanto il valore della produzione operistica vivaldiana non sia inferiore a quella strumentale. RICORDI, in collaborazione con l'Istituto Italiano Antonio Vivaldi di Venezia, risponde alla crescente domanda di questo straordinario e accattivante repertorio offrendo una scelta di 12 arie per trascritte per canto e pianoforte.

Selezione di 12 Arie D'Opera Per Tenore basate sulle edizioni critiche da Catone in Utica, Arsilda, Regina di Ponto, L'Olimpiade, La fida ninfa, L'incoronazione di Dario, L'Atenaide e La Griselda.

Contenuti: (CATONE IN UTICA) Dovea svenartiallora · (ARSILDA, REGINA DI PONTO) La tiranna avversa sorte, Siano gl'astri a me tiranni, La mia Gloria ed il mio Amore · (L'OLIMPIADE) Non so donde viene · (LA FIDA NINFA) Non tempesta che gl'alberi sfronda · (L'INCORONAZIONE DIDARIO) Perdero la bella mia · (L'ATENAIDE) Ti stringo in quest'amplesso, Mal s'accende di sdegno il tuo core, Alme perfide · (LA GRISELDA) Tu tua col tuo pianto , Sento che l'alma teme.

VIVALDI - Arie Per Contralto-Mezzosoprano Da Opere [it] [eng]

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VIVALDI - Arie Per Contralto-Mezzosoprano Da Opere [it] [eng]

€29,50

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VIVALDI - Arie Per Contralto-Mezzosoprano Da Opere • Testo italiano - inglese

A cura di Azio Corghi

La favorevole accoglienza ottenuta dalla raccolta di Arie per soprano da opere liriche di Vivaldi, edita da Ricordi nel 1970 (131669), ha indotto l'editore alla pubblicazione di questa nuova collana di Arie per contralto, sempre da opere, prepatata da Azio Corghi seguendo gli stessi criteri editoriali e di revisione che hanno informato la precedente edizione. La presente raccolta è frutto di una scelta operata nei manoscritti conservati presso la Biblioteca Nazionale di Torino. Scelta eterogenea che alla melodia semplice, cantabile, quasi popolareggiante contrappone una linea vocale più complessa non priva di influenze strumentali; all'aria di carattere fortemente drammatico accosta quella brillante, estrosa e fantasiosa, piena di virtuosismi canori. E questo nel tentativo di cogliere i molteplici aspetti del Vivaldi operista: ad una analisi attenta appare evidente la perfetta conoscenza della scrittura vocale e degli «effetti» che si possono richiedere alla voce in senso drammatico. Lo stanno a dimostrare le frequenti ripetizioni di proposizioni musicali intese a sottolineare con maggiore efficacia il testo; l'arditezza di certi intervalli melodici in parte giustificata dalla necessità espressiva e le insolite successioni di accordi dovute al procedere contrappuntistico delle parti; il gusto del cromatismo «...per esprimere di più e meglio» contrastante il ritorno di lontani echi modali; l'impiego di scale minori di forma diversa sovrapposte che determinano curiosi incontri dissonanti e infine il particolare uso delle colorite «seste napoletane». Tuttavia questi procedimenti compositivi non vengono adottati unicamente seguendo l'estetica del tempo per cui, secondo il Du Bos, si possono imitare «il tono, gli accenti, i sospiri, le inflessioni della voce e infine tutti quei suoni di cui si vale la natura per esprimere i suoi sentimenti e le sue passioni», ma pure consentono a Vivaldi di difendere ed esaltare l'autonomia dei valori musicali. Si può dire pertanto che, attualmente, col graduale procedere verso una maggior conoscenza della produzione vocale vivaldiana, diventa sempre più possibile e doveroso non limitare l'abilità e la sapienza del compositore al solo campo della musica strumentale. Per quanto riguarda la riduzione per pianoforte della partitura d'orchestra, si è cercato in linea di massima di riportare integralmente le linee strumentali; le poche aggiunte sono quelle suggerite dai numeri del basso continuo. I segni e le alterazioni posti tra parentesi non sono originali ma puramente indicativi e lasciano adito a soluzioni diverse. In alcuni casi sono state segnate alterazioni di precauzione onde evitare errate interpretazioni dovute soprattutto al tradizionale «senso della tonalità».

Contenuti: (Ottone In Villa) Compatisco il tuo fiero tormento - (Orlando Finto Pazzo) Anderò, volerò, griderò - (Arsilda Regina Di Ponto) Del goder la bella speme - (L'Incoronazione Di Dario) In petto ho un certo affanno - (Armida Al Campo D'Egitto) Pensa che quel bel seno • Agitata de' venti dall'onte - (La Verità In Cimento) Lagrimetta alle pupille - (Il Giustino) Il mio cor già più non sa - (Il Farnace) Sorge l'irato nembo • Dividete o giusti dei - (Orlando Furioso) Così potessi anch'io - (La Griselda) Ho il cor già lacero - (Catone In Utica) Se parto, se resto - (Il Teuzzone) Guarda in quest'occhi e senti

VIVALDI - Arie per soprano da opere [it]

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VIVALDI - Arie per soprano da opere [it]

€21,50

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VIVALDI - Arie per soprano da opere • Testo italiano

A cura di Azio Corghi

La presente raccolta è frutto di una scelta operata nei manoscritti conservati presso la Biblioteca Nazionale di Torino. Scelta eterogenea che alla melodia semplice, cantabile, quasi popolareggiante contrappone una linea vocale più complessa non priva di influenze strumentali; all'aria di carattere fortemente drammatico accosta quella brillante, estrosa e fantasiosa, piena di virtuosismi canori. E questo nel tentativo di cogliere i molteplici aspetti del Vivaldi operista: ad una analisi attenta appare evidente la perfetta conoscenza della scrittura vocale e degli effetti che si possono richiedere alla voce in senso drammatico. Lo stanno a dimostrare le frequenti ripetizioni di proposizioni musicali intese a sottolineare con maggiore efficacia il testo; l'arditezza di certi intervalli melodici in parte giustificata dalla nepuntistico delle parti; la necessità espressiva e le insolite successioni di accordi dovute al procedere contrap del cromatismo «...per esprimere di più e meglio» contrastante il ritorno di lontani echi modali; l'impiego di scale minori di forma diversa sovrapposte che determinano curiosi incontri dissonanti e infine il parti colare uso delle colorite «seste napoletane». Tuttavia questi procedimenti compositivi non vengono adottati unicamente se guendo l'estetica del tempo per cui, secondo il Du Bos, si possono imitare «il tono, gli accenti, i sospiri, le inflessioni della voce e infine tutti quei suoni di cui si vale la natura per esprimere i suoi sentimenti e le sue passioni», ma pure consentono a Vivaldi di difendere ed esaltare l'autonomia dei valori musicali. Si può dire pertanto che, attualmente, col graduale procedere verso una maggior cono scenza della produzione vocale vivaldiana, diventa sempre più possibile e dovero so non limitare l'abilità e la sapienza del compositore al solo campo della musica strumentale. Per quanto riguarda la riduzione per pianoforte della partitura d'orchestra, si è cercato in linea di massima di riportare integralmente le linee strumentali; le poche aggiunte sono quelle suggerite dai numeri del basso continuo. I segni e le alterazioni posti tra parentesi non sono originali ma puramente indicativi e lasciano adito a soluzioni diverse. In alcuni casi sono state segnate alterazioni di precauzione onde evitare errate interpretazioni dovute soprattutto al tradizionale «senso della tonalità».

Contenuti: Guarda in quest'occhi e senti (Ottone in villa) - Col piacer della mia fede (Arsilda regina di Ponto) - Io son quel gelsomino (Arsilda regina di Ponto) - Ben conosco a poco a poco (Arsilda regina di Ponto) - La pena amara (La verit in cimento) - Vedrò con mio diletto (Il giustino) - Senza l'amato ben (Il giustino) - Squarciami pure il seno (Il tigrane) - Se lascio d'adorare (Il tigrane) - Da quel ferro che ha svenato (Il farnace) - Quel tuo ciglio languidetto (Il farnace) - Vorresti, il so, amor tiranno (L'ateneide) - Sposa son disprezzata (Bajazet) - Agitata da due venti (La Griselda)

VIVALDI - Dixit Dominus RV 595, riduzione per canto e pianoforte, ed. critica [lat]

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VIVALDI - Dixit Dominus RV 595, riduzione per canto e pianoforte, ed. critica [lat]

€20,50

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VIVALDI - Dixit Dominus RV 595, riduzione per canto e pianoforte condotta sull'edizione critica • Testo latino

Ed. critica M. Talbot - Riduzione per canto e pianoforte di A. Frigé

Il Dixit Dominus RV 595 di Antonio Vivaldi, pur possedendo alcune caratteristiche in comune con la sua più nota intonazione dello stesso testo liturgico, RV 594, fra cui l’adozione della stessa tonalità d’impianto e altri particolari minori, per altri aspetti se ne discosta in maniera assai considerevole. Anzitutto, il brano utilizza un organico indiviso (vale a dire, non ripartito «in due cori» distinti): in secondo luogo, essendo databile attorno al 1715, si colloca all’inizio dell’attivit compositiva di Vivaldi nel genere sacro, anziché appartenere a un periodo posteriore. Da un punto di vista estetico, inoltre, esistono delle evidenti similitudini fra RV 595 e le dueintonazioni vivaldiane del Gloria, RV 588 e RV 589. Tre degli undici movimenti di cui il Dixit è costituito rielaborano, infatti, del materiale musicale preso a prestito da altri compositori: in due casi si tratta di singoli movimenti di brani di autori ignoti appartenuti all’archivio personale di Vivaldi: nel terzo caso di un madrigale (ben camuffato) di Antonio Lotti, pubblicato nel 1705. Tutti gli imprestiti sono integrati all’interno della struttura del brano in modo così efficace da non pregiudicare il carattere unitario dell’intonazione. Fra i momenti più riusciti di RV 595 vale la pena di menzionare almeno i due movimenti inziali (l’uno vivace e l’altro più intensamente contemplativo) e il quarto, «Tecum principium», con il dialogo che s’instaura fra i due violoncelli obbligati e la coppia dei soprani. Questo Dixit Dominus, trasmesso in un unico testimone custodito a Praga, appartiene di diritto ai più riusciti saggi compositivi vivaldiani di ampie proporzioni nel genere vocale sacro. L’Introduzione e le Note critiche di questa riduzione per canto e pianoforte si rifanno all’Edizione critica di Michael Talbot, pubblicata nel 1993.

VIVALDI - Il Teuzzone, rid. per canto/pf [it] - Bongiovanni Musica

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VIVALDI - Il Teuzzone, rid. per canto/pf, ed. critica [it]

€43,90

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ANTONIO VIVALDI - Il Teuzzone (RV 736), riduzione per canto e pianoforte condotta sull'edizione critica • Testo italiano

Con Il Teuzzone, RV 736, la collana della musica teatrale di Antonio Vivaldi si arricchisce di un nuovo volume che va a completare il dittico mantovano del Prete rosso. Messo in scena negli ultimi giorni del 1718, l'opera precedette di qualche mese la rappresentazione del Tito Manlio, RV 738 (PR 1411). L'edizione del Teuzzone, la prima nei tempi moderni, è basata sui due testimoni completi superstiti: la copia proveniente dall'archivio del compositore (Biblioteca Nazionale Universitaria di Torino, Raccolta Mauro Foà 33) e quella conservata ora a Berlino (Staatsbibliothek zu Berlin - Preussischer Kulturbesitz, Musikabteilung, N. Mus, ms. 125), che fu prodotta per l'allestimento mantovano. Sono state collazionate inoltre numerose fonti secondarie. In appendice al volume sono presentati i materiali musicali scartati da Vivaldi nelle fasi precedenti alla prima rappresentazione. Nei testi a corredo dell'edizione si dà conto delle nuove acquisizioni emerse dalle ricerche archivistiche e documentarie. Si è stabilito, ad esempio, che l'aria Tu, mio vezzoso (I.03) è un prestito dall'Alessandro Severo di Antonio Lotti, mentre l'aria Tornerò, pupille belle (II.02) è un rimaneggiamento di Nelle mie selve natie, aria dello Scanderbeg, RV 732. Viene così confermata la natura di pasticcio del titolo vivaldiano. Nella sezione dedicata alla descrizione delle fonti, con un accurato esame codicologico del testimone torinese si tenta un'audace ricostruzione delle fasi di composizione del lavoro vivaldiano, gettando così luce all'interno dell'officina vivaldiana. Si analizza inoltre lo stretto rapporto di questa partitura con un omonimo lavoro rappresentato a Torino nel 1716 con musiche di G. Casanova e A. S. Fiorè.

VIVALDI - Salve Regina RV 616, RV 617, RV 618, riduzione per canto e pianoforte, ed critica [lat]

RICORDI

VIVALDI - Salve Regina RV 616, RV 617, RV 618, riduzione per canto e pianoforte, ed critica [lat]

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VIVALDI - Salve Regina RV 616, RV 617, RV 618, riduzione per canto e pianoforte condotta sull'edizione critica • Testo latino

Il volume contiene le tre intonazioni vivaldiane a noi note dell’antifona mariana Salve Regina. Tutte le versioni prevedono un’unica parte vocale: il soprano, nel caso di RV 617, e il contralto in quello di RV 616 e RV 618. L’organico di queste ultime prevede due ‘cori’ strumentali che comprendono anche degli strumenti a fiato (il flauto nel primo caso e una coppia di oboi nel secondo), mentre la prima intonazione si avvale solamente degli archi, disposti in un singolo ‘coro’ (quantunque tre dei suoi movimenti prevedano l’intervento di un violino solo). RV 617, che è trasmessa da una copia non autografa della partitura conservata a Brno, appartiene al gruppo delle più antiche composizioni sacre composte da Vivaldi per la Piet (1713-1717), mentre RV 616 e RV 618 sono opere mature, databili attorno agli anni Trenta del Settecento. RV 617 è strutturata in quattro movimenti, RV 616 e RV 618 in sei. Tutti e tre i lavori si fanno apprezzare per la delicatezza dell’espressione e la maestria della scrittura, sia vocale che strumentale. L’Introduzione e le Note critiche di questa riduzione per canto e pianoforte sono interamente basate sull’edizione critica delle tre Salve Regina pubblicate nel 1998, 1990, e 1994 a cura di Michael Talbot.

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